Estrenos de cine por Uriel Barros

TERROR EN LO PROFUNDO (Shark Night, Estados Unidos/2011) 91’ DIR: David R. Ellis. CAST: Sara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack. Katharine McPhee, Joel David Moore, Donal Logue, Joshua Leonard, Sinqua Walls, Alyssa Diaz, Chris Zylka, Jimmy Lee Jr. DIST: Buena Vista International.

Película adolescente que bebe del cine B pero que se queda en los tópicos más comunes y tontos que supo inundar el género en los años ochenta, con la llegada del video hogareño y su consiguiente demanda. No hay nada nuevo que no se haya visto antes, todo es predecible hasta el hartazgo. La salvedad (es un decir) queda en los efectos especiales y visuales que no son más que CGI con movimientos de Playstation y un tosco 3D mal aprovechado. Recordemos Piraña 3D, precisamente su reciente remake, la cual al menos uno se tomaba en solfa y cuyo humor negro y despliegue visual la colocaba en un lugar bastante digno dentro del sub-género “monstruos-marinos”. La trama siempre gira en torno a universitarios bobalicones acechados por un peligro constante, una excusa que se inauguró en el género slasher y particularmente con las películas de Martes 13.
La fórmula de este tipo de películas que tuvieron increíble éxito con films como Saw o Destino Final se basa básicamente en saber cómo y de qué manera más gore o espectacular morirá la próxima víctima. El director de Destino final 2 y 3 no logra aportar nada interesante, ni artístico, ni técnico.


LA ÚLTIMA MIRADA (Argentina/2009) 109´ DIR: Víctor Jorge Ruiz. CAST: Eugenio Roig, Victoria Almeida, Arturo Bonin, Katja Alemann, Jorge Sabate, Raúl Techaren y Beatriz Spelzini.

Otra película que intenta abordar el tema de los desaparecidos durante la dictadura militar en nuestro país y despertar conciencia. ¿Qué puede aportar de nuevo un tema tan sensible y tremendo que viene inundando la cartelera desde hace casi diez años con una veintena de documentales y ficciones cada año? Esta película cuenta la historia de un hijo de desaparecidos que es escritor y vive en España (coproducción mediante)y vuelve a la Argentina para terminar un libro, con tan mala suerte que se enamora de una chica que casualmente es la hija de un militar que participó en la desaparición de sus padres. Con este punto de partida, el asunto va del drama al cine de denuncia y de allí al de venganza y hasta al western. ¿Es original? ¿Es conmovedora? ¿Es inteligente? ¿Alcanzan las buenas intenciones? ¿Entretiene? ¿Sirve? La respuesta es NO. Si obviamos su solemnidad y maniqueísmo y nos quedamos con su alucinante ridiculez y su torpeza desmedida nos encontramos ante una comedia bizarra de lo más burda y encima de corte netamente amateur. Sorprende y mucho que un guión de estas características haya ganado el Primer Concurso del Bicentenario gracias al cual recibió la ayuda financiera del INCAA.


CANCIONES DE AMOR (Les Chansons d'amour, Francia/2007).100’ DIR: Christophe Honoré. CAST: Louis Garrel, Ludivine Sagnier, Chiara Mastroianni y Clotilde Hesme. DIST: Mirada

Agradable melodrama romántico musical con notables influencias de la Nouvelle Vague que se plantea como un claro homenaje a inolvidables films románticos como Jules et Jim (1962) y Vivir su vida (1962) y sobre todo el fantástico musical de Jacques Demy , Los Paraguas de Cherburgo (1964) . El asunto no se queda sólo en la intención de homenajear. El director y guionista Christophe Honoré se esmera en escaparse del tono superficial habitual en las películas románticas actuales dotándola de cierta dosis de melancolía e ironía, en una historia de amor convertida en menage a trois (Louis Garrel ,Ludivine Sagnier y la espléndida Chiara Mastroianni) y que resume de alguna manera el espíritu de sueños liberadores de los años 60. Un inesperado vuelco en la trama culminará en tragedia y el protagonista masculino deberá plantearse cómo vivir su vida luego de la pérdida mientras es escuchado por un hombre que lo ama. La bella y pegadiza música de Alex Beaupin estará presente en los momentos más significativos y los intérpretes cantarán las bellas canciones que dirán lo que sienten en las nocturnas calles pintorescas de Paris. Resulta difícil no sostener una sonrisa durante todo el metraje con una propuesta de estas características. Una estimulante celebración para no perderse.

HAPPY FEET 2 : El pingüino (Happy Feet Two, Estados Unidos, 2011) 100’ DIR: George Miller DIST: Warner Bros

Happy Feet resultó ser una agradable e inteligente sorpresa animada que mereció el premio Oscar 2006. El director australiano George Miller (Mad Max) -que derivó su carrera hacia la animación digital como Robert Zemeckis- destacó su film por encima de la media por desarrollar una historia ecologista y creíble con un personaje simpático y espectaculares escenas musicales.
Esta secuela no tiene el mismo encanto; más bien parece un film realizado para cumplir con las demandas de mercado. El humor aquí está prácticamente ausente o no funciona.

El argumento no importa demasiado porque nunca termina de desarrollarse completamente, debido a que se presentan pequeñas historias de corte vertiginoso que tampoco logran cautivar. La moraleja aleccionadora para los niños está incluida. Dentro de sus incongruencias, aparecen personajes sin integración alguna que huelen a otras películas como Madagascar o La era del Hielo, ¡como si los responsables de entrada no confiaran en su propio producto! Los números musicales tampoco logran funcionar gracias a una triste selección de Hip-Hop que si bien antes bailaba como Fred Astaire ahora baila como Ricardo Fort. La calidad de la animación y las innumerables ideas visuales son sin dudas ejemplares. Es una pena que este caudal de talento se vea desperdiciado gracias a una historia mal escrita y peor desarrollada. La escena musical de Gospel podría rescatarse como el mejor momento de toda la película pero es tan insuficiente y tardía que todo resulta en vano. Un vez más el uso del 3D no aporta nada en términos narrativos.



FUERA DE LA LEY 108’ DIR: Roger Donaldson. CAST: Nicolas Cage, January Jones, Guy Pearce, Harold Perrineau y Jennifer Carpenter.DIST:DIAMOND FILMS

Roger Donaldson, eficiente director estigmatizado por su pasado una y otra vez por la subvalorada Sin Salida (No way Out ,1987), nos presenta una historia de venganza y persecuciones varias con Nicholas Cage al frente, quien intentará desemascarar a una banda de justicieros que en aparente complicidad con la policía asesina a delincuentes limpiando la ciudad de Nueva Orleans. Resulta curioso que no hace mucho Cage interpretó bajo las órdenes de Herzog “Un Maldito policía en Nueva Orleans “. ¿Por qué será que el brillo de Cage como actor reluce cuando interpreta a un perdedor desesperado o a un villano malvado y desquiciado y no justamente cuando se propone como héroe de acción a la Duro de matar? Una situación semejante y un actor que suele aparecer en películas de acción nos hace pensar rápidamente en El Vengador Anónimo (Death Wish, 1973) pero con la corrección política del gobierno de Obama. Cage no hace justicia por mano propia; prefiere que otro lo haga por él cuando se le presenta insólitamente la oportunidad (recordar el arte de Hitchcock en Pacto Siniestro (Strangers on a train,1951). Con dudas (es humano, decente y sobre todo norteamericano) acepta que este grupo de tareas liquide al violador de su esposa que logró salvar su vida por un pelito. El favor no será gratis y pronto deberá recompensarlos haciendo un trabajito sucio, al cual se negará y será necesario para mantener el interés de la trama y el desarrollo tramposo del conflicto. A pesar de contar con un guión prefabricado con situaciones que se adivinan desde la entrada al cine, el sólido manejo de Donaldson para conducir el suspenso funciona correctamente y eso es más que suficiente para el nuevo vehículo de Cage, sin más pretensiones que entretener y no aburrir.


LAS ACACIAS (Argentina/España, 2011) 85’ DIR: Pablo Giorgelli CAST: Germán de Silva, Hebe Duarte y Nayra Calle DIST: DIST.COMPANY

Road movie simple y minimalista que transcurre casi todo el metraje en un camión, sin salir de la cabina. Bien podría ser una obra de teatro de tres protagonistas que comparten forzosamente un viaje, pero el director se interesa por crear una película de observación, donde la comunicación se distingue mayormente por miradas y silencios, logrando así una intimidad natural poco frecuente en el cine argentino. No hay conflictos, ni tensiones, no hay buenos ni malos. Es otro tipo de cine. Con gente de carne y hueso, real, que muestra sus penurias y limitaciones viviendo en el tercer mundo, algo que en la mirada burguesa del Festival Cannes siempre interesa. No pasa nada relevante pero quedan sensaciones con los personajes gracias a la mirada humana (y sentimentalista) que imparte el director debutante Giorgelli. A algunos les resultará un viaje interminable y a otros quizá un viaje conmovedor.




LA MUJER SIN PIANO (España-Francia/2009) 97´. DIR: Javier Rebollo. CAST: Carmen Machi, Jan Budar y Pep Ricart. DIST: Zeta Films.

La tediosa rutina diaria a través de los años de la vida gris y previsible de un ama de casa española llegan hasta su punto límite cuando llega la noche y mientras su marido queda dormido mirando la televisión , Rosa (impresionante Carmen Machi) huye de su casa perdiéndose en la noche madrileña. Entre bares y hoteles de mala muerte plagados de marginales e inmigrantes ilegales conocerá otro mundo, el de la sordidez y la violencia generalizada pero también el de la ternura y la comprensión. La mirada contemplativa del director nos acerca a la tristeza y desesperanza de sus personajes que casi no hablan, utilizando el uso del fuera de campo y agregando inteligentemente ciertas dosis de ironía para salir del dramón. Un ejercicio de observación y de cuidada elaboración estética que lleva claras influencias de la Nouvelle Vague, haciéndole honor.

UN ZOOLÓGICO EN CASA (We Bought a Zoo, Estados Unidos/2011) 124’ DIR: Cameron Crowe. CAST: Matt Damon, Scarlett Johansson, Elle Fanning, Thomas Haden Church, Colin Ford, Maggie Elizabeth Jones, Angus Macfadyen, Patrick Fugit, John Michael Higgins. DIST: Fox.

Un zoológico en casa no es el típico producto familiar tipo Disney como aparenta en sus carteles publicitarios. Es más bien una digna comedia dramática y familiar (algo no tan común en estos días), que se supone está basada en el caso verídico de un joven viudo (Mat Damon) con dos hijos que buscan casa para una nueva vida y no tienen mejor idea que elegir un zoológico clausurado y con varios cuidadores viviendo en él. Scarlett Johansson es la sensual cuidadora de buen carácter que animará al joven viudo a amar otra vez. La historia, por edulcorada que parezca, no se queda ahí. El director y guionista Cameron Crowe, director de la recordada Casi Famosos (Almost Famous, 2000) y la no tanto y no por ello menos interesante Vida de solteros (Singles, 1992), se esfuerza en mostrar la humanidad de su personaje protagonista, su desarrollo emocional, sus impulsos y sus silencios. Algo sumamente positivo para el desarrollo de la película y el consiguiente interés en el personaje principal, y por lo tanto bastante inusual en el cine mainstream de Hollywood. Sin embargo, extraña que los otros personajes que acompañan su vida no tengan el suficiente desarrollo ni tampoco matices y la mayoría luzca pintado. Con un tono agridulce y melancólico, esta propuesta nos retrotrae al espíritu de las producciones de Ivan Tors tipo Daktari y hasta Flipper o incluso al film de Hawks de aventuras Hatari! Maggie Elizabeth Jones -vista recientemente en Super 8- siendo tan jovencita ya se perfila como una gran estrella. El espectador no olvidará los aportes del incomparable Thomas Haden Church, ese actorazo que se luce una vez más en la pantalla. Apoyada por una excelente banda sonora que incluye temas de Neil Young, Bob Dylan y Tom Petty, Un Zoológico en casa resulta ser un oasis en el melodrama del Hollywood actual.



LA CUEVA DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS (Cave of Forgotten Dreams)
(Francia, Canadá, Estados Unidos, Alemania, Reino Unido ,2011) 89’
DIR: Werner Herzog
DIST:Zeta Films

Werner Herzog se las arregla muy bien para sobrevivir en la pantalla mundial sin perder interés ni perecer en el olvido. Si bien alterna sus ficciones con documentales desde sus inicios, la novedad en este fascinante documental es que además de estar rodado en un lugar histórico, espectacular y misterioso, se puede ver en 3D. Con la inefable voz de Herzog (no pudiendo consigo mismo, como diría Kinski) oficiando de narrador, entrevistador y por supuesto director, el film nos conduce (con el entusiasmo y excitación habitual en el director) al interior de unas asombrosas cavernas en el sur de Francia, originalmente descubiertas en 1994 y de más de 30.000 años de antigüedad. Justamente allí se encuentran restos fósiles y dibujos prehistóricos que resultan ser los más antiguos encontrados por el hombre. Todo esto suena a que podría tratarse de un espectacular documental del National Geographic o de la BBC para la t.v. por cable y la entrada al cine quizás no se justificaría. Error. En primer lugar la diferencia reside en que aquí hay un experimentado director de cine en escena que conduce con vehemencia, ironía y conocimiento del tempo cinematográfico para no abrumar o aburrir al espectador. En segundo lugar nadie ha conseguido jamás ingresar con una cámara debido a una restricción gubernamental a filmar lo que allí dentro apreciaremos. La Cueva de los sueños olvidados se acerca más a una experiencia extrasensorial como pocas y que elude el didactismo fácil del documental esclarecedor porque Herzog se instala en su personaje de relator investigador que tan bien le sale para contarnos de manera sencilla y efectiva su interpretación de lo que vemos, sustentada por notorios paleontólogos, geólogos y científicos. Quizás el punto más débil en este documental sea la utilización abusiva de la música en ciertos tramos del film que dispersan y rompen los climas conseguidos durante buena parte del mismo. El uso del 3D funciona como pocas veces de manera útil y eficaz como pocas veces se ha apreciado,cumpliendo con el deseo de Herzog de convertir la sala del cine que elegimos en una gigantesca cueva.

EL JUEGO DE LA FORTUNA (Moneyball, Estados Unidos, 2011) 133’ DIR: Bennett Miller. CAST: Brad Pitt, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Jonah Hill. DIST: Sony/Columbia.

Al público norteamericano le fascinan las películas deportivas, y mucho más si están basadas en un hecho real. Justamente esas en las que el espíritu humano triunfa con mucho esfuerzo y dedicación frente a cualquier adversidad. Generalmente en nuestro país estas películas no fueron éxitos arrasadores, todo lo contrario. Y mucho menos si eran historias con deportes tan alejados de nuestra cultura y tan poco practicados como el baseball. Es harto probable que el protagonismo de la superestrella Brad Pitt sea suficiente para que algunos se interesen en ver esta película, al menos es lo que deben pensar los distribuidores locales.
Brad Pitt interpreta a un ex beisbolista que lleva la misión de sacar de perdedores a un pobre equipo que no pega una. Con la ayuda de un simpático gordito (Jonah Hill ) cruzarán datos y estadísticas para elegir a los jugadores desechados por otros equipos que tengan cierto rendimiento y pocas pretensiones económicas. Phillip Seymour Hoffman hará lo suyo como el entrenador del equipo en busca de la gloria. El guionista Aaron Sorkin (el mismo de la sobrevalorada y aburridísima Facebook de David Fincher) junto con otros colegas intentarán así reflejar el mundo del baseball desde un ángulo perdedor y conmovernos con situaciones que no logran despertar interés. Esto no sólo sucede porque este tema pueda resultar ajeno a nuestra idiosincrasia sino porque la emoción nunca llega en los largos 133 minutos que dura el film.




JUDÍOS POR ELECCIÓN (Argentina, 2011)85’ DIR: Matilde Michanie. DIST:

Documental que intenta reflejar en pantalla ciertos casos de conversión al judaísmo de personas que sin ser judíos de nacimiento o tradición adoptan las prácticas por motus propio. Los entrevistados –entre los que se incluyen también rabinos- comparten sus historias y cuentan cómo, por qué y para qué se convirtieron al judaísmo. Cada uno lo hace en diferentes ramas: ortodoxa, conservadora y reformista. En todo el film se muestra un conflicto recurrente y es que existe una ley en nuestro país que impide la conversión y que los ortodoxos la cumplen a rajatabla. Lamentablemente desde lo cinematográfico, este documental de cabezas parlantes no se diferencia demasiado de un informe televisivo. Si bien cuenta con seguimientos de la vida cotidiana (un noble recurso del cine documental) y también hay separadores y algunas dramatizaciones, todo ello no alcanza para darle vuelo u originalidad.



LA CAMPANA. (2011) 78’ DIR: Fredy Torres. CAST: Jorge Nolasco, Rocío Pavón, Lito Cruz. DIST:

Resulta grato y atrayente que el cine argentino se anime a contar historias con tono de leyenda y aires del cine fantástico. Sobre todo teniendo en cuenta que eso es bastante infrecuente en nuestro cine, por lo que el interés en ver algo distinto se acentúa.
El director Freddy Torres, intenta contarnos una historia con ecos de realismo mágico sobre un amor trunco en un lugar cercano a Mar del Plata, perdido en el mar y en el tiempo durante el conflicto de la guerra de Malvinas. Todo ello resulta un planteo interesante, que podría tener claras referencias literarias de autores como Bioy Casares, Gabriel García Marquez o estéticas y narrativas de directores como John Sayles -El Secreto de Roan Inish- o Night Shyamalan, por citar algunos.

Pero lamentablemente el director se pierde en un cúmulo de sub-historias y situaciones que no terminan de resolverse y aportan más confusión que interés, desencajando la unidad narrativa y restándole ritmo y precisión.
La dirección de actores tampoco logra hacer destacar a un actor de la talla de Lito Cruz como el dueño del bar ni tampoco a figuras como Jorge Nolasco (el protagonista), Julian Howard o María Fernanda Callejón como la prostituta de puerto, que se deslucen por su esquematismo y poca convicción.
Visualmente tampoco se aporta demasiado, ya que su fotografía a contramano del preciosismo barroco-surrealista o simplemente expresionista que generalmente se encuentra en este tipo de narraciones, se presenta aquí con una errónea puesta de revista turística.



CUATRO MUERTOS Y NINGÚN ENTIERRO (A film with me in it, Irlanda/2008) 88’ DIR : Ian Fitzgibbon. CAST: Dylan Moran, Mark Doherty, David Doherty, Amy Huberman, Aisling O'Sullivan, Keith Allen, Jonathan Rhys Myers, Neil Jordan DIST: Impacto Cine

En la comedia, el humor negro es un sub-género no tan transitado quizás porque nunca ha sido masivo o simplemente porque no es tan fácil hacer reír a cualquiera con temas tan delicados como la enfermedad, la muerte, la religión, el racismo o la pobreza entre muchos otros. La inolvidable El Quinteto de la muerte (1955) inició el legado del humor negro inglés por excelencia abriendo camino a los geniales Monty Phyton quienes dejaron estela con su inteligente irreverencia. Apostando a un público más amplio Mel Brooks cultivó ejemplarmente el absurdo y luego los brillantes Z.A.Z llevaron al delirio extremo las dos vertientes con las desopilantes ¿Y… donde está el piloto?, Super Secreto y La Pistola Desnuda.
El film que nos ocupa se acerca más al espíritu de El Quinteto de la Muerte y actualmente nos remite precisamente a Muerte en un Funeral (2007), el desopilante “sleeper” inglés de Frank Oz. El director Ian FitzGibbon juega permanentemente con la tragedia y el suspenso, mezclando sabiamente el humor. Los avatares económicos de los protagonistas que sueñan con el mundo del cine, uno como actor y el otro como guionista, sirven como trasfondo para desarrollar la humanidad de los mismos y sacarlos de la caricatura. Como se trata de una Black Comedy sucederán muertes y aparecerán cadáveres para desesperación de los personajes y la risa del público. Mark Doherty (también guionista) y Dylan Moran estelarizan perfectamente el dúo de perdedores que intentarán librarse de los muertos en medio de disparatadas situaciones y diálogos sumamente ingeniosos. Esta producción irlandesa, titulada originalmente como A film with me in it y que fue bautizada en nuestras pampas con un ocurrente título que nos remite a Cuatro bodas y un Funeral, hace honor al género y nos regala lo que sería una de las mejores y más logradas comedias estrenadas en el 2011.

GATO CON BOTAS (Puss in Boots, Estados Unidos, 2011) CAST(voces): Antonio Banderas, Salma Hayek DIR: Chris Miller DIST: UIP

El popular cuento de origen europeo recopilado en 1697 por Charles Perrault y adaptado en la magnífica y sarcástica versión ilustrada de Gustave Doré llega al cine de la mano de …Shrek!. No resulta extraño que un personaje europeo haya tardado tanto en desembarcar en tierras hollywoodenses. Los estudios se animaron a introducir este lejano personaje en la exitosa saga de Shrek, y con el tiempo este gatito fue teniendo cada vez más reconocimiento por parte del público y más presencia dentro de los secundarios en cada una de las cuatro películas. Sería injusto no mencionar que este personaje cobró notoriedad gracias a la voz de Antonio Banderas, quien aportó el carisma necesario para dotarlo de cinismo zumbón y bonachería.
De esta manera Gato con Botas se presenta más como un Spin-off de Shrek que la adaptación del famoso cuento. La receta irreverente de Shrek está a la vista. Parodiando a los cuentos infantiles más populares con sus respectivos personajes (Jack & Jill, Humpty Dumpty, Jack y las habichuelas mágicas, Mother Goose) y en medio de un despliegue visual necesario para que los niños jamás se aburran y las esperadas travesuras del legendario minino se repitan una y otra vez, el asunto no logra sin embargo sostenerse en su totalidad debido a la floja estructura de un guión estirado que agota sus mejores momentos a los diez minutos de comenzada la proyección. El esfuerzo por intentar contar una historia más lineal tampoco se luce mucho por lo caótico de las situaciones que se van sumando, provocando más confusión que interés. La utilización del 3D es correcta pero no necesaria. Quizás, la escena más notable y no la más recordable para los niños sea el espectacular baile flamenco. Es probable que esta película sea más recordada por los niños (es un decir) por los gags y travesuras del gatito que por su historia. En síntesis, podemos afirmar que Gato con Botas no es mejor que Shrek 1 y 2; sí en cambio es más digna que su tercera y cuarta parte.


LA VIDA EN TIEMPOS DIFÍCILES (Life during wartime, EEUU,2009) 93’ DIR:Todd Solondz CAST: Shirley Henderson, Allison Janney, Ciaran Hinds, Chris Marquette, Charlotte Rampling, Paul Reubens, Ally Sheedy, Rich Pecci, Michael Lerner DIST: CDI

Todd Solondz -aquel director de las provocativas y perturbadoras Happiness, Storytelling y Welcome to the Dollhouse- sigue siendo fiel, con su mirada implacable, al estilo que logró forjar. Especialista en incomodar al espectador más avezado, aquí retoma ciertos personajes de Happiness diez años después, aunque con otros intérpretes, para contarnos que sucedió con ellos y cómo siguen sus historias. Con un tono reflexivo Solondz vuelve a criticar descarnadamente a la clase media americana con cinismo y desmadrado humor negro y alejarla por completo de esa falsa idea hollywoodense de que todos podemos ser felices si aceptamos lo que somos. Sus personajes son patéticos, despreciables, dulces, mordaces y hasta monstruosos, emparentados por la desdicha más desoladora posible y un futuro arrolladoramente pesimista y que buscan redimir la culpa y encontrar el perdón. Temas urticantes como la disociación, el judaísmo, la desafección y la crueldad en un contexto de disfuncionalidad familiar o hechos tan siniestros como la pedofilia desnudan la miserabilidad humana que rodea a sus personajes y encuadran las obsesiones de Solondz como director, esta vez con una mirada de compasión. En el cine de Solondz es difícil simpatizar con las criaturas ideadas para sus películas debido mayormente a un estigma que se repite siempre: la escasez de emociones identificables y el poco acercamiento al espectador, lo cual resta emoción, y a veces compromiso.
Un párrafo aparte merecen las reapariciones de la maravillosa Charlotte Rampling y de Paul Reubens -el ex Pe-Wee Herman- que sorprende con un papel tan revelador como el que hizo Adam Sandler en Embriagado de Amor.


AÑO NUEVO (New Year's Eve, Estados Unidos, 2011). 118’ DIR: Garry Marshall. CAST: Zac Efron, Michelle Pfeiffer, Hillary Swank, Sarah Jessica Parker, Jessica Biel, Ashton Kutcher, Robert De Niro, Halle Berry, Cary Elwes, Alyssa Milano, Common, Carla Gugino, Jon Bon Jovi, Katherine Heigl, Sofía Vergara, Abigail Breslin, Josh Duhamel, Ludacris, Hector Elizondo. DIST: Warner Bros.

La llegada del Año Nuevo siempre trae ilusiones, esperanzas, oportunidades, promesas y hasta perdón. En esta película, el director de exitosos hits como Mujer Bonita y Frankie y Jhonny o productor de memorables series como Happy Days, Laverne & Shirley o Mork and Mindy, intenta desarrollar una historia coral al estilo de su anterior y olvidable película llamada Día de los Enamorados (Valentine´s Day, 2010).
Aquí las historias son entrelazadas con distintos personajes de la ciudad de Nueva York, la cual funciona como epicentro de encuentros y desencuentros, redención, reconciliación y muerte. En definitiva “Año Nuevo” es un producto artificial que se adivina como tal y busca emocionar al espectador con las peores herramientas posibles, sea con golpes bajos y clisés con olor a naftalina como con situaciones tan inverosímiles como estúpidas. La típica moraleja con frases hechas y tono demagógico y los diálogos cursis promueven el sopor o en el mejor de los casos la risa involuntaria. El multitudinario cast de estrellas parece figurar de favor por una noble causa de espíritu navideño neoyorkino o de reconocimiento a la obra de un autor de leyenda como Garry Marshall, incluyendo una patética aparición del actual alcalde neoyorquino. Suelto mi imaginación y pienso en el extinto director Robert Altman estrenando un proyecto de estas características diez años atrás, con resultados gratificantes y menos pretenciosos. Suele decirse que la llegada de fin de año es la época con mayor tasa de suicidios. Se sugiere que los que estén deprimidos jamás vean esta película.



LA ÚLTIMA NOCHE (Last Night, Estados Unidos/2010)91´. DIR: Massy Tadjedin. Con Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes, Guillaume Canet y Griffin Dunne. DIST: Energía Entusiasta

La Última Noche intenta ser una película adulta y moderna edificada a base de diálogos no del todo eficaces sobre los conflictos amorales de dos parejas. Nueva York otra vez es el escenario elegido donde se desarrollan dos historias con montaje paralelo y voz en off, con lugares bonitos que parecen escogidos para una revista de moda. Ópera prima de Massy Tadjedin, el film busca evitar los lugares comunes que parecen venir como avalancha durante situaciones románticas, seducciones varias, engaños amorosos, culpas y remordimientos y sin embargo, dentro de su obviedad -en su mirada progre-moralista-, intenta ser realista e intimista pero lamentablemente no siempre lo logra. Particularmente porque los personajes de
Sam Worthington y Eva Mendes no levantan termómetro ni verosimilitud en una historia que intenta ser sensual y volcánica con la infidelidad como fondo. Por el contrario, la historia interpretada por Keira Knightley y Guillaume Canet funciona mejor y se aleja de la frialdad yuppie para acercarse al drama romántico con un cierto deja vú al film ciertamente de culto de Richard Linklater , Antes del Amanecer (Before Sunrise,1995). Así y todo el resultado no alcanza.

LA HORA DEL CRIMEN
("La doppia ora", Italia/2009) 95’ DIR: Giuseppe Capotondi. CAST: Kseniya Rappoport, Filippo Timi, Antonia Truppo.

El cine italiano tiene una larga tradición con el cine de suspenso a la Edgard Wallace y el giallo de Bava/ Argento. Aquí, La Doppia Ora o la Doble Hora en su traducción literal está más cercano al film Noir y al cine de Hitchcock que a sus orígenes italianos. De entrada se plantea como un filme de intriga y suspenso sembrando dudas en el espectador, como un puzzle para armar en cada escena. Es un cuidado relato armado con astucia e intensidad que logra cautivar con elementos clave del género como suicidios, romance, robos y escenas perturbadoras que parecen influenciadas por El Inquilino de Polanski, ayudando a crear un clima de misterio inquietante. Pero sin dudas, más allá de la inteligencia del director (es su primer película) para evitar formulas consabidas y ciertos clisés del género, la actuación estelar de Ksenia Rappoport - la misma de La desconocida de Tornatore, con la que tiene algunos puntos en común - sostiene en gran parte una historia lineal narrada con audacia desde los diferentes estados de ánimo de la protagonista. Aunque todo esto esté enmarcado en un relato de suspenso, el mismo no siempre se logra, sobre todo teniendo en cuenta que a los 45 minutos de empezado el film se revela un gran misterio y de ahí en más la ardua tarea de mantener intrigado al espectador no tendrá el mismo efecto conseguido anteriormente. Acercándose al final el asunto se precipita con una resolución simple y directa que desentona con el resto del film. Aún así la clave está en el rostro de Sonia que no luce como en la foto soñada.

VERDADES VERDADERAS

(Argentina/2011)97’ Dirección: Nicolás Gil Laavedra. CAST: Susú Pecoraro, Alejandro Awada, Laura Novoa, Inés Efron, Carlos Portaluppi, Fernán Miras.



Un personaje histórico, simbólico, contradictorio, humano, respetado y querido por la mayoría, una mujer que enarbola la ejemplar y conmovedora tarea de mantener viva la lucha por los derechos humanos y buscar la verdad y el paradero de los hijos desaparecidos durante la dictadura, merece todo tipo de reconocimientos. Estela de Carlotto merecía también una película. Las tuvieron Mandela, Gandhi, La Madre Teresa y muchos insignes de la paz mundial. Estamos ante el subgénero Biopic-biografía-, un tipo de cine que suele acomodarse mejor en la pantalla televisiva que en la inmensidad de una sala debido más que nada a sus limitaciones narrativas y estéticas. Ya que las interpretaciones (y la dirección de actores) priman sobre lo narrativo y lo visual. Susú Pecoraro vuelve al cine como protagonista con su talento y carnadura habitual interpretando a Estela de Carlotto, dando una intensidad emotiva mayor. Alejandro Awada como su esposo e Inés Efrón como una de sus hijas se lucen frente al resto del elenco que no logra convencer. Está dividida en tres épocas -1975, 1979 y 2009- y nos habla de los inicios de la dictadura, la democracia y la militancia actual de la juventud que vela por los derechos humanos, todo ello mediante flashbacks, imágenes de archivo en blanco y negro revelando escasez de recursos y un uso innecesario de testimonios a cámara -típico del género documental- que subraya lo que no hace falta. Con estereotipos y buenas intenciones, Verdades Verdaderas promete más de lo que da.




AMANECER PARTE 1
"The Twilight Saga: Breaking Dawn Part 1", EE.UU./2011) 117´ DIR: Bill Condon. CAST :Taylor Lautner, Kristen Stewart ,Robert Pattinson, Gil Birmingham. DIST: ALFA FILMS



A esta altura de la saga Crepúsculo, ya en su cuarto capítulo, lo que aquí se pueda leer de ahora en más nada cambiará para afectar el interés o curiosidad del que elija ver esta película. Amanecer parte 1 se supone que es el último capítulo, astutamente dividido en dos partes, tal cual sucedió con Harry Potter y que tan buenos dividendos sumó. Finalmente después de tantas dudas y miedos entre quedarse con el teen wolf y el teen vamp, la impávida jovencita escolar se decide y se casa con el andrógino vampiro (el pseudo-actor Robert Pattinson) y viajan de luna de miel a una isla paradisíaca dispuestos a tener el tan postergado encuentro sexual. Allí donde las hormonas deberían explotar, jugarán al ajedrez, beberán jugosos tragos de sangre en pajita y, por ese encuentro, ella quedará embarazada. El inconcebible Taylor Lautner (visto hace poco en la cinta de acción Identidad Secreta) repite su inexpresividad como Hombre Lobo enfurecido y despechado, haciendo lo posible por vengarse y mostrar su trabajado torso desnudo cada vez que la platea femenina lo demande. Todo esto forma parte del preámbulo para el epílogo que será en el 2012. El irregular director Bill Condon (reconocido hace tiempo por Dioses y monstruos) fue el contratado para mantener la saga a salvo del naufragio (al menos para los fans que saben lo que vienen a buscar). Él nos muestra a los personajes dejando la adolescencia de un modo algo drástico y comenzando una etapa de madurez con problemas, responsabilidades y sufrimiento; algo que en las otras películas de trazos tipo Corin Tellado no se planteaba. Con ese material y con esos actores -salvo Kristen Stewart que mantiene su dignidad en pantalla- el director hará lo que pueda y posiblemente el público quede satisfecho y expectante para ver cómo termina todo.



EL POLONIO
(Argentina/2011) 76’ DIR: Daiana Rosenfeld y Anibal Ezequiel Garisto.


El Polonio del título se refiere a el balneario uruguayo Cabo Polonio, famoso y buscado por muchos argentinos que buscan paz y espiritualidad por lo inhóspito y tranquilo y que se jacta de ser un lugar aislado de servicios básicos como el agua corriente, el gas natural y la luz eléctrica. Este Documental nos muestra, fuera de temporada, el testimonio de una sufrida y melancólica mujer que un día vino de vacaciones con su pareja y se quedó sola. Toma pastillas para no sufrir eternamente la pérdida de su hija escuchando al Yogi Maharashi. Busca la paz interior en la playa ventosa y vacía en un largo trance que puede hacer dormir al espectador más paciente. Las limitaciones de la propuesta están a la visita. ¿Se viene la oleada de películas costeras de balnearios? ¿Santa Teresita,la película? ¿O San Clemente? ¿Cariló, el film? Por suerte queda alojado en nuestra memoria “Balnearios”, el éxitoso documental de Mariano Llinás.

EL INVIERNO DE LOS RAROS
(Argentina/2010) 11’ DIR: Rodrigo Guerrero. CAST: Elisa Gagliano, Maitén Laguna, Lautaro Delgado, Luis Machin, Max Berliner, Cunny Vera, Paula Lussi.





Este año el Nuevo Cine Cordobés explotó. Bienvenida su producción, con sus limitaciones presupuestarias y no justamente de ideas y creatividad. Ha logrado hacerse un espacio en las carteleras del país con títulos recientes y tan distintos como De Caravana, Hipólito y prontamente Salsipuedes y Yatasto. Con esta producción esforzada, Córdoba se perfila como una provincia que respira Cine. El Invierno de los Raros transcurre en un pueblito cordobés, durante un largo invierno, y allí se cuentan las historias de seis personajes sin rumbo en busca del amor ya que no saben cómo buscarlo, encontrarlo o sentirlo. Realizada con una narración coral, con historias que se entrecruzan, que poco dicen y que no siempre funcionan. Mucha cámara en mano, una línea narrativa poco clara y mucha improvisación actoral (Luis Machín sostiene con oficio cualquier empresa). La apuesta remite al cine minimalista, intimista y observador de Martín Rejtman y más precisamente a las primeras películas de Jim Jarmush. Pueblo chico, invierno grande.

LA PROFECÍA DEL 11-11-11 (11-11-11, Estados Unidos-España/2011)109’ DIR: Darren Lynn CAST: Timothy Gibbs, Michael Landes, Brendan Price y Wendy Glenn. DIST: Diamond Films

Esta película se inscribe en el género Terror y se apropia de los simbolismos new age que se buscan últimamente con el número 11 que, según se dice, suelen aparecer por todos lados como una señal apocalíptica o misteriosa. No olvidemos también que para el pueblo norteamericano el 11 /11 es una fecha nefasta y quizás desde ese entonces este número tomó preponderancia. "11 11 11" fue pensada para vender un buzón y hacer mucho dinero, lo cual no necesariamente está mal. El problema está en los resultados. Escrita y dirigida por Darren Lynn Bousman -director de las interminables y soporíferas "Saw, el juego del miedo" en sus capítulos 2, 3 y 4-, propone como polémica las diferencias entre los que creen en Dios y los que no, e intenta a partir de allí dar al tema un aire de importancia filo-teórico en un estilo más berreta que el Código Da Vinci. El punto es que aquí el mal es el diablo himself, como en aquella fallida película de Schwarzenegger que presagiaba lo peor para el último día del milenio: “El fin de los Días”( End of Days), y más atrás en el tiempo en La Profecía (The Omen) y sus respectivas secuelas y remake. O sea que de original, nada. Todo es llano y vanal. Lugares comunes, archiconocidos del género, con estética publicitaria pero sin los recursos y talento de Tony Scott. El misterio que se plantea no alcanza para el suspenso porque no sólo se adivina todo, sino que se cumple como en un manual de escuela. Las actores, dentro lo limitados que son, no parecen estar dirigidos ni siquiera para hacer algo digno. Es la típica película de terror mala y aburrida que no puede gustarle a alguien que realmente aprecie y disfrute este género.





LA PIEL QUE HABITO (España, 2010) 117’ DIRECTOR: Pedro Almodóvar. CAST: Antonio Banderas, Marisa Paredes, Elena Anaya, Jan Cornet, Eduard Fernández y Blanca Suárez. DIST: Diamond Films.

Pedro Almodóvar hizo una película difícil de digerir para el que busca algo habitual de la receta Almodóvar. Aquí coquetea con géneros distintos en su haber alejándose de la melancolía y el colorido culebrón trágico cómico. Con intriga y aires de elegante thriller, nos cuenta la historia de un cirujano plástico que intenta vengarse de la muerte de su hija y sin querer en esa obsesión enferma se enamorará de su víctima. El cambio de registro sin dudas es interesante; los resultados no. Y no solamente porque sea provocativamente escabrosa o violentamente gratuita, sino porque en su planteo totalmente oscuro de una obsesión tan enfermiza y con personajes tan alejados de la identificación y la comprensión (ni hablar de la realidad, algo que en sus películas siempre creímos), no aborda lo suficiente en la profundidad de esos personajes provocando hastío y rechazo. Esto en cualquier película es un problema grave, y no por ser una película distinta de Almodóvar haya que perdonarlo. La historia tiene ribetes de telenovelón hasta llegar a lo ridículo y lo extremo. Si la intención era contar una historia de amor y sufrimiento, el experimento no funcionó. Banderas durante toda la película hace dos o tres gestos desnudando sus limitadas virtudes actorales como nunca antes, a años luz de su interpretación en “Átame!” Esta película, basada en una novela y adaptada muy libremente, muestra en su concepto argumental reminiscencias de films netamente fantásticos y bizarros como Frankenstein Creo a la Mujer -aquel clásico memorable de la Hammer con Peter Cushing- y Los ojos sin rostro de Georges Franjú. La música, que intenta captar el estilo de Bernard Herrman en las películas más logradas de Hitchcock, se vuelve estridente y repetitiva e intenta desesperadamente crear climas donde no los hay. Lo mejor de este fallido film es la interpretación de Elena Anaya, que deslumbró en “Lucía y el Sexo” y “Hable con Ella” y por supuesto la monumental Marisa Paredes.



JOHNNY ENGLISH RECARGADO (Johnny English Reborn, Reino Unido, 2011)101’
DIRECTOR: Oliver Parker CAST: Rowan Atkinson, Gillian Anderson, Rosamund Pike, Daniel Kaluuya y Dominic West. DIST: UIP.

Probablemente unos cuantos recién se enteren que esta es una secuela de una película que jamás se estrenó en nuestras salas argentinas. Quizás algunos la hayan visto en su edición en video o en sus transmisiones por cable. Lo cierto es que es una película con el actor de Mr. Bean y eso para muchos es motivo suficiente para reírse un rato con un humor que ya no abunda. Rowan Atkinson vuelve diez años después con este personaje parodiado típicamente inglés y oficialmente inspirado en el James Bond de Sean Connery, pero que remite directamente al brillante personaje norteamericano compuesto por Don Addams en el Super Agente 86 y hasta al inspector Closeau de La Pantera Rosa. Si bien la primera película era bastante floja y convencional, funcionó muy bien sólo en Inglaterra. No se entiende por qué luego de tantos años de esa aventura los mismos errores siguen repitiéndose. La historia es la excusa ideal como vehículo de Atkinson para explotar su catálogo de morisquetas, gags y torpezas varias de probado éxito en t.v. con su personaje Mr. Bean y su celebrado humor naif, el que había sido desarrollado con maestría por el gran actor y director Jaques Tati. Sin embargo el resultado no alcanza para salir satisfecho de la sala. Ninguna película de Bean fue satisfactoria en su traspaso de la tv. al cine. No es una mala comedia pero la falta de sorpresa e ingenio le hace flojo honor a un respetable género y estilo que tuvo mejores exponentes.